Hay artistas que pintan su tiempo, y luego está Francisco de Goya y Lucientes, un hombre que no solo pintó su era, sino que la desgarró con su pincel para mostrar sus entrañas, sus luces cegadoras y sus sombras más profundas. Seguir las huellas de Goya no es un simple recorrido turístico por museos y monumentos; es una peregrinación al corazón de una España convulsa y fascinante, un viaje sensorial a través de los paisajes, palacios y pesadillas que forjaron al primer pintor moderno. Desde el silencio polvoriento de su pueblo natal hasta el bullicio intrigante de la corte de Madrid, cada parada en este camino es un compás en la sinfonía de su vida, una vida que comenzó con la ambición de un joven aragonés y terminó con la sabiduría sombría de un genio universal. Este no es un relato sobre cuadros colgados en paredes, sino sobre los muros que los vieron nacer, las calles que inspiraron sus personajes y el alma de un país que Goya inmortalizó con una honestidad brutal y una belleza inolvidable. Prepárate para sentir el ritmo de su arte, para caminar por los escenarios de su existencia y para descubrir por qué, dos siglos después, la mirada de Goya sigue siendo la más lúcida, la más crítica y la más humana de todas.
Si te interesa explorar otros viajes artísticos que profundizan en la conexión entre vida y obra, te recomendamos nuestro artículo sobre el viaje surrealista de Dorothea Tanning.
Fuendetodos: Donde Nace la Luz de un Genio
El viaje comienza en el silencio. Un silencio sonoro, casi tangible, que se respira en las calles de Fuendetodos. Este pequeño pueblo de Aragón, situado en una llanura árida y azotada por el cierzo, parece suspendido en el tiempo. Aquí, el sol golpea con fuerza sobre la piedra y la tierra ocre, creando un paisaje de una belleza austera y poderosa. Es imposible no pensar que esta luz cruda, esta tierra sin artificios, fue el primer lienzo que contemplaron los ojos del joven Francisco. Caminar por Fuendetodos es despojarse de lo superfluo, es comprender el origen humilde de un hombre cuya ambición lo llevaría a las más altas esferas del poder. No hay grandes monumentos ni palacios ostentosos. Solo la verdad de la piedra, la sencillez de una vida rural que Goya dejó atrás, pero que, de alguna manera, siempre resonó en la honestidad de su obra.
La Casa Natal: El Eco de los Primeros Pasos
En la Calle de la Alhóndiga se encuentra la Casa Natal de Goya, una modesta vivienda de labradores del siglo XVII. Cruzar su umbral es un ejercicio de imaginación. No esperes encontrar lujos, sino la esencia de una vida campesina. Los muros gruesos de mampostería, las vigas de madera oscura, la cocina con su hogar en el suelo… todo habla de un mundo funcional, apegado a la tierra. Aquí nació Goya en 1746. En estas estancias sencillas, un niño escucharía las primeras historias, sentiría el calor del fuego y el frío del invierno aragonés. La visita es breve pero profunda. Obliga a contrastar esta humilde cuna con la magnificencia de los frescos que pintaría en las cúpulas de las basílicas o los complejos retratos psicológicos de la familia real. Es el punto de partida fundamental, el kilómetro cero de su biografía, un recordatorio de que el genio no necesita nacer en palacios para florecer. Es un lugar para sentir, más que para ver; para escuchar el eco de una infancia remota que se convertiría en el prólogo de una de las carreras artísticas más extraordinarias de la historia.
El Museo del Grabado: La Tinta como Bisturí Social
A pocos pasos de la casa natal está el Museo del Grabado, una parada absolutamente esencial. Si la pintura de Goya es un universo, sus grabados son la galaxia más densa y explosiva. Aquí, alejado de los encargos y las presiones de la corte, Goya desató toda su capacidad crítica, su imaginación desbordante y su más oscura visión de la condición humana. El museo alberga colecciones completas de sus cuatro grandes series: Los Caprichos, Los Desastres de la Guerra, La Tauromaquia y Los Disparates. Verlas aquí, en su pueblo natal, genera una conexión especial.
Los Caprichos son un látigo contra la superstición, la ignorancia y los vicios de la sociedad de su tiempo. Cada estampa es un microcosmos de sátira, poblado por brujas, duendes y aristócratas decadentes. La más famosa, «El sueño de la razón produce monstruos», se convierte en el manifiesto de toda su obra: una advertencia sobre los peligros que acechan cuando la lógica duerme. Observar los detalles, las finas líneas del aguafuerte y el aguatinta, es apreciar a un maestro de la técnica que la pone al servicio de una idea poderosa.
Luego, el horror. Los Desastres de la Guerra son un testimonio gráfico de una crudeza que aún hoy conmueve. Goya no glorifica la batalla, no pinta héroes. Representa el hambre, la tortura, la violación, la muerte anónima y brutal que dejó la Guerra de la Independencia contra los franceses. Son imágenes que se clavan en la retina, un periodismo de guerra dos siglos antes de que existiera el término. No hay épica, solo la verdad desnuda del sufrimiento. Es una experiencia intensa, casi dolorosa, que cambia para siempre la perspectiva sobre el conflicto armado.
La Tauromaquia explora la fiesta nacional con una visión que va desde la admiración por la destreza hasta la brutalidad del espectáculo. Y finalmente, Los Disparates o Proverbios, su serie más enigmática y surrealista, un viaje a las profundidades de su subconsciente, poblado por criaturas grotescas y escenas oníricas que parecen anticipar el surrealismo del siglo XX. El Museo del Grabado de Fuendetodos es, en definitiva, la puerta de entrada a la mente de Goya, un lugar donde su voz crítica resuena con más fuerza que en ningún otro sitio.
Zaragoza: El Despertar del Artista entre Cúpulas y Palacios
Dejamos atrás la tranquilidad de Fuendetodos para adentrarnos en el vibrante corazón de Aragón: Zaragoza. Si Fuendetodos fue la cuna, Zaragoza se convirtió en la escuela, el taller y el primer gran escenario donde floreció el talento de Goya. A orillas del río Ebro, esta ciudad monumental fue testigo de su formación junto al pintor José Luzán y, más adelante, de sus primeros grandes éxitos, así como de sus primeras polémicas profesionales. Recorrer Zaragoza en busca de Goya es descubrir a un joven artista ambicioso y lleno de energía, decidido a conquistar el mundo del arte con la fuerza de su pincel. La atmósfera de la ciudad, dominada por la imponente silueta de la Basílica del Pilar, combina fervor religioso, orgullo regional y un dinamismo que sin duda impulsó al joven pintor.
La Basílica del Pilar: Pintando el Cielo de Aragón
Nuestra primera parada es imprescindible: la Basílica de Nuestra Señora del Pilar. Cada año, millones de peregrinos acuden a venerar a la Virgen, pero para el peregrino interesado en Goya, la mirada se eleva hacia las cúpulas. Aquí, Goya libró algunas de sus primeras grandes batallas artísticas.
Todo comienza en el Coreto, una pequeña cúpula sobre el coro. En 1772, un joven Goya de 26 años recibe el encargo de pintar al fresco La Adoración del Nombre de Dios. Al alzar la vista, se encuentra con una explosión de color y luz. Ángeles y santos giran en una composición vibrante y dinámica, muy acorde con el estilo rococó de la época. Se aprecia la rapidez de su pincelada y la seguridad de un artista que domina una técnica tan compleja como la pintura al fresco. Es una obra llena de optimismo, la declaración de un joven talento que dice: «Estoy aquí y soy capaz de esto.»
Sin embargo, la verdadera joya, la obra que consolidó su fama y le granjeó la enemistad de la academia local, se halla en otra de las cúpulas de la nave principal. Se trata de la cúpula Regina Martyrum (Reina de los Mártires), pintada entre 1780 y 1781. Aquí Goya se suelta. La composición es de una modernidad sorprendente. Rompe con los cánones clásicos, agrupa a los personajes de forma audaz y utiliza pinceladas sueltas, casi esbozadas, que vistas desde la distancia adquieren una vida y fuerza extraordinarias. La luz parece emanar de las propias figuras. Este estilo tan personal y ágil chocó frontalmente con su cuñado y supervisor, el académico Francisco Bayeu, quien defendía un dibujo más pulcro y tradicional. La disputa fue intensa y Goya, orgulloso y convencido de su genio, terminó abandonando Zaragoza con la promesa de no volver a trabajar allí. Contemplar esta cúpula es asistir al nacimiento del Goya más puro, aquel que antepone la expresión y la vida a las rígidas normas académicas. Es un grito de independencia artística pintado en el techo de la casa de la patrona de España.
Cartuja de Aula Dei: El Tesoro Escondido
Para el verdadero devoto de Goya, hay una peregrinación que requiere un esfuerzo adicional pero cuya recompensa es inmensa: la Cartuja de Aula Dei. Situado a las afueras de Zaragoza, este monasterio de clausura alberga uno de los ciclos de pintura mural más impresionantes y poco conocidos del artista. Al ser una comunidad monástica activa, las visitas están restringidas a ciertos días y horarios, lo que añade un aura de misterio y exclusividad a la experiencia. Es fundamental planificar la visita con antelación.
Al entrar en la iglesia del monasterio, el impacto es sobrecogedor. En 1774, Goya cubrió los muros con once monumentales pinturas al óleo sobre la vida de la Virgen María. Aunque el tiempo y la Guerra de la Independencia dañaron gravemente las obras (algunas tuvieron que ser repintadas por otros artistas), lo que permanece de la mano de Goya es pura potencia. Escenas como La Presentación de Jesús en el Templo o La Circuncisión reflejan una maestría en la composición y en el manejo de la luz y la sombra que anticipan su obra madura. Las figuras son robustas, llenas de vida y humanidad. La escala es abrumadora. Uno se siente pequeño ante estos murales gigantescos, envuelto en la visión de un Goya en pleno dominio de sus facultades. Es un Goya más sereno y narrativo que el del Pilar, pero igualmente innovador. La visita a la Cartuja de Aula Dei es una experiencia casi mística, un encuentro íntimo con el genio en un lugar de paz y recogimiento.
Museo de Zaragoza: La Evolución en Primer Plano
Para completar la inmersión en Zaragoza, visitar el Museo de Zaragoza es imprescindible. En sus salas se puede seguir la evolución del pintor a través de una excelente colección de sus obras de juventud y madurez. Aquí se pueden admirar de cerca retratos de la nobleza y la burguesía aragonesa, como el del Infante Luis de Borbón, además de bocetos preparatorios para sus grandes obras murales. Resulta fascinante observar cómo su pincelada se vuelve más suelta y cómo su capacidad para captar la psicología de sus retratados se agudiza. El museo ofrece el contexto perfecto para comprender al artista antes de su salto definitivo a Madrid, mostrando sus raíces aragonesas y las influencias que marcaron sus primeros años. Es el epílogo ideal para el capítulo zaragozano, un espacio que permite apreciar los detalles y la técnica de un genio en ciernes.
Madrid: La Conquista de la Corte y el Descenso a la Oscuridad
Si Zaragoza fue el escenario del despertar, Madrid fue el coliseo donde Goya luchó, triunfó y descendió a los infiernos. La capital de España representa el capítulo más largo, complejo y fascinante de su vida. Llegó en 1775 para trabajar en la Real Fábrica de Tapices y, gracias a su talento y tesón, ascendió hasta convertirse en el Primer Pintor de Cámara del rey Carlos IV. Madrid le otorgó fama, riqueza y acceso a los círculos más poderosos. Pero también fue testigo de su enfermedad, que lo dejó sordo y aislado del mundo; de la brutalidad de la guerra, que destrozó sus ideales ilustrados; y de la represión política, que lo forzó al exilio. Recorrer el Madrid de Goya es transitar un paisaje de contrastes extremados: desde la luminosa alegría de sus cartones para tapices hasta la oscuridad absoluta de las pinturas de la Quinta del Sordo. Es en esta ciudad donde Goya se convierte en Goya, el cronista implacable de su tiempo.
El Pintor del Rey: El Museo del Prado
El Museo del Prado no es una parada cualquiera en la ruta goyesca; es un santuario. Ningún otro lugar en el mundo alberga una colección tan vasta y completa de su obra. Dedicarle un día entero es lo mínimo que se merece. Entrar en las salas de Goya del Prado es como abrir un libro de historia de España contado por el testigo más genial y despiadado. El recorrido es un viaje emocional y estilístico a través de las diversas etapas de su vida.
La aventura suele comenzar con los Cartones para Tapices. Es un estallido de luz y color. Obras como El Quitasol, La Gallina Ciega o La Pradera de San Isidro nos muestran a un Goya optimista, que retrata con encanto y vivacidad las costumbres y diversiones del pueblo madrileño. Son escenas idílicas, llenas de vida y una alegría contagiosa. Goya captura la luz del cielo de Madrid, la textura de las telas, la sonrisa de los majos y las majas. Es la celebración de una España feliz y confiada, un mundo que parece no tener sombras. Es esencial entender que estas obras no eran cuadros en sí, sino modelos a gran escala que los tejedores de la Real Fábrica de Tapices usaban para crear lujosos tapices destinados a decorar los palacios reales. Esto explica sus colores vivos y composiciones claras y decorativas.
Desde esa luz, el visitante se adentra en el Goya retratista. Nadie como él supo captar el alma de sus modelos. El ejemplo más destacado es, sin duda, La Familia de Carlos IV. Este monumental retrato de grupo es una obra maestra de la psicología. Goya reúne a la familia real en un gran lienzo y, en lugar de idealizarlos como era habitual, los pinta con una honestidad casi cruel. Vemos al rey Carlos IV, bonachón y algo ausente; a la reina María Luisa, en el centro, verdadera dueña del poder, con una mirada dura y dominante; al futuro Fernando VII, con un gesto ya conspirador. Goya los viste con las galas más suntuosas, medallas y sedas que brillan, pero sus rostros revelan sus debilidades, miedos y vanidades. Es como si el pintor les hubiera hecho una radiografía del alma. Él mismo se autorretrata en la penumbra, a la izquierda, como un testigo silencioso de esa decadencia. Es un cuadro que se puede observar durante horas, descubriendo detalles y relaciones entre los personajes. Es un documento histórico y una lección de pintura.
En las mismas salas, dos lienzos atraen todas las miradas: La Maja Desnuda y La Maja Vestida. Rodeadas de leyenda, son dos de las obras más icónicas de la historia del arte. La Maja Desnuda fue revolucionaria. No era una diosa ni una figura mitológica; era una mujer real, de carne y hueso, que mira al espectador con una seguridad y franqueza desafiantes. Su cuerpo no está idealizado, y la pincelada de Goya recrea la calidez de su piel de una manera increíblemente sensual. Fue un escándalo en su época, y le costó a Goya un interrogatorio por la Inquisición. A su lado, La Maja Vestida es una exhibición de virtuosismo técnico. Goya pinta las sedas y encajes del vestido con pinceladas sueltas y rápidas que, vistas de cerca, parecen manchas, pero que a distancia crean una ilusión de realidad asombrosa. El misterio sobre la identidad de la modelo (¿fue la Duquesa de Alba?) solo añade fascinación a estas dos obras maestras.
El recorrido da un giro dramático con los cuadros que narran la Guerra de la Independencia. El 2 de mayo de 1808 en Madrid (La lucha con los mamelucos) y El 3 de mayo de 1808 en Madrid (Los fusilamientos) son dos de las pinturas más potentes jamás creadas. Ya no queda rastro de la alegría de los cartones. El 2 de mayo es puro caos, un torbellino de violencia en la Puerta del Sol, donde el pueblo de Madrid se levanta con navajas y piedras contra el ejército de Napoleón. La composición es un tumulto de cuerpos, caballos y acero. Pero es El 3 de mayo el que se ha convertido en un icono universal contra la barbarie de la guerra. La escena tiene una tensión insoportable. A la derecha, un pelotón de fusilamiento anónimo, una máquina de matar sin rostro. A la izquierda, los condenados, un grupo de civiles madrileños enfrentando la muerte. En el centro, un hombre con camisa blanca se alza con los brazos en cruz, un mártir laico iluminado por la luz de un gran farol. Su rostro muestra una mezcla de terror y desafío. Goya no pinta héroes, pinta víctimas. No hay gloria, solo masacre. Es una imagen que golpea el estómago y obliga a reflexionar sobre la eterna brutalidad humana.
Finalmente, el viaje en el Prado culmina en el abismo: las Pinturas Negras. Esta serie de catorce obras no fue un encargo. Goya las pintó para sí mismo, directamente sobre las paredes de su casa de campo, la Quinta del Sordo, en los últimos años de su estancia en Madrid. Son la expresión de un hombre anciano, sordo, desilusionado con la política y atormentado por sus demonios interiores. Trasladadas a lienzo mucho después de su muerte, estas pinturas nos sumergen en un universo oscuro y perturbador. Saturno devorando a su hijo es la imagen del horror puro: un dios enloquecido, con ojos desorbitados, que destroza el cuerpo de su propio hijo. Es una metáfora del tiempo que todo lo consume, o quizás del poder que destruye a sus propios vástagos. El Aquelarre o El Gran Cabrón muestra una multitud de brujas de rostros grotescos adorando al diablo, una crítica feroz a la superstición y el fanatismo. En Duelo a garrotazos, dos hombres se hunden en el barro mientras se matan a palos, una alegoría de la España cainita, de las luchas fratricidas que desangraban al país. Y quizás la más conmovedora de todas, El Perro Semihundido, donde solo vemos la cabeza de un perro mirando hacia arriba, a punto de ser engullido por la tierra o el agua. Es una imagen de soledad y angustia existencial abrumadoras. Las Pinturas Negras son una experiencia inmersiva y difícil, pero absolutamente necesaria para comprender la profundidad del genio de Goya. Son el testamento de un artista que se atrevió a mirar a la cara la locura, el mal y el vacío.
La Capilla Sixtina de Goya: La Ermita de San Antonio de la Florida
Tras la intensidad del Prado, un paseo a orillas del Manzanares conduce a un lugar de belleza sorprendente: la Ermita de San Antonio de la Florida. Desde fuera, parece una pequeña iglesia neoclásica, sencilla y discreta. Pero al entrar y levantar la vista hacia la cúpula, la sorpresa es mayúscula. Aquí, Goya pintó lo que muchos consideran su «Capilla Sixtina». Entre 1798 y 1799, decoró al fresco la cúpula con una representación del milagro de San Antonio de Padua.
Lo asombroso es cómo lo hizo. Goya traslada el milagro a las calles de Madrid. La barandilla que rodea la cúpula se convierte en un balcón al que se asoma una multitud de personajes populares: majas, chisperos, niños, mendigos… Son ellos los testigos del milagro que realiza el santo. Goya nos convierte a nosotros, los espectadores, en parte de la escena, como si estuviésemos en la plaza mirando hacia arriba. La técnica es de una modernidad pasmosa. Las pinceladas son rápidas, enérgicas, casi impresionistas. La luz parece real y las figuras están llenas de vida y expresividad. Es una obra alegre, terrenal y profundamente humana, que contrasta enormemente con la solemnidad habitual de la pintura religiosa. Goya demuestra aquí que lo sagrado también puede encontrarse en lo cotidiano. Y para redondear la experiencia, justo debajo de la cúpula que él mismo pintó, se halla la tumba de Francisco de Goya. Es un lugar cargado emocionalmente, un espacio para el recogimiento y la admiración silenciosa, donde el genio descansa bajo su obra más luminosa.
El Círculo Académico: La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
Aunque Goya mantuvo una relación complicada con el mundo académico, fue miembro destacado de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, cerca de la Puerta del Sol. Una visita a su museo es el complemento perfecto al Prado. Allí se exhibe una colección más íntima, pero igualmente fascinante, de su obra. Destacan varios autorretratos que permiten seguir su envejecimiento y los estragos que la vida dejó en su rostro. Pero la gran estrella de la colección es El Entierro de la Sardina. Este pequeño cuadro es una explosión de vida y locura. Representa el final del carnaval, una fiesta popular madrileña donde todo está permitido. La multitud baila, grita y ríe con una energía casi salvaje. Los rostros están desfigurados por las máscaras y la euforia. Es una escena caótica y vital que Goya pinta con una pincelada febril, capturando el espíritu dionisíaco de la fiesta. Es otra muestra de su fascinación por la cultura popular y su capacidad para plasmar el alma colectiva de un pueblo. La Academia también conserva bocetos y obras de distintas épocas que permiten ahondar en su proceso creativo y evolución como artista.
El Exilio Final y el Silencio de Burdeos
El viaje siguiendo los pasos de Goya no puede concluir en Madrid. Su historia tiene un epílogo agridulce en el exilio. En 1824, con casi 80 años y cansado del absolutismo represor de Fernando VII, Goya decide abandonar España. Solicita un permiso para ir a un balneario en Francia y ya no regresa. Se establece en Burdeos, una ciudad con una importante colonia de liberales españoles exiliados.
Este último capítulo de su vida no representa una decadencia, sino una renovada curiosidad artística. Alejado de las presiones de la corte, experimenta con nuevas técnicas, como la litografía, y su estilo pictórico adquiere una nueva dimensión. Sus últimas obras, como la magnífica La Lechera de Burdeos, muestran una pincelada suelta y una luminosidad que parecen anticipar el Impresionismo. En el rostro de esa joven trabajadora hay una melancolía serena, una paz que Goya parecía haber perdido en los años de las Pinturas Negras. Es como si, al final de su vida, el genio atormentado encontrara un momento de calma.
Aunque no existan grandes monumentos goyescos en Burdeos, conocer esta etapa de su vida es esencial para completar su retrato. Es la historia de un hombre que, hasta su último aliento en 1828, nunca dejó de crear, de observar el mundo y de buscar nuevas formas de expresión. El exilio en Burdeos es el silencio final del genio, un retiro voluntario donde el pintor, alejado del ruido de la corte y la guerra, pudo escuchar su propia voz artística por última vez.
Planificando tu Viaje Goyesco: Consejos y Ritmos
Emprender un viaje siguiendo los pasos de Goya es una experiencia cultural de primer nivel. Para aprovecharla al máximo, una buena planificación resulta fundamental. La ruta más sensata es comenzar en Aragón y finalizar en Madrid. Puedes volar a Zaragoza, explorar la ciudad durante un par de días y dedicar una mañana a una excursión a Fuendetodos, que está a aproximadamente una hora en coche. No olvides verificar con antelación los horarios de visita de la Cartuja de Aula Dei.
Desde Zaragoza, el tren de alta velocidad (AVE) te llevará al centro de Madrid en menos de una hora y media. La capital merece, al menos, tres o cuatro días completos. Un día entero para el Museo del Prado es imprescindible. Otro día puede dedicarse a la Ermita de San Antonio de la Florida por la mañana y a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando por la tarde. El resto del tiempo, piérdete por las calles que él recorrió, como el Madrid de los Austrias o el Barrio de las Letras.
La mejor época para este viaje es la primavera (abril-junio) o el otoño (septiembre-octubre). El clima es agradable tanto en Aragón como en Madrid, evitando el calor extremo del verano y el frío del invierno. Esto te permitirá disfrutar de los paseos por la ciudad y las excursiones.
Sin embargo, el consejo más importante no es logístico, sino de actitud. Adopta una mentalidad de peregrino. No corras de un museo a otro. Siéntate frente a La Familia de Carlos IV durante veinte minutos y observa cada detalle. Detente en silencio bajo la cúpula de San Antonio de la Florida. Siente el viento en Fuendetodos e imagina al joven Francisco corriendo por sus calles. Acompaña la experiencia artística con la gastronómica: prueba el ternasco de Aragón, disfruta de un chocolate con churros en Madrid, tómate un vino en una taberna centenaria. Un viaje goyesco es una inmersión sensorial que implica no solo ver, sino también sentir el pulso de la España que Goya amó, criticó e inmortalizó.
La Eterna Modernidad de Goya
Al final del camino, tras haber explorado los paisajes de su vida y sumergido en la profundidad de su obra, surge una pregunta: ¿por qué Goya sigue siendo tan relevante hoy en día? La respuesta es clara: porque fue el primer artista verdaderamente moderno. Se atrevió a pintar la verdad sin adornos, ya fuera la vacuidad de los monarcas, la irracionalidad de la guerra o los monstruos que habitan en nuestro interior. Fue psicólogo, reportero de guerra, crítico social y explorador de los rincones más oscuros del alma humana, todo ello con un pincel en la mano.
Sus temas son universales y atemporales. La lucha entre la razón y la superstición, la brutalidad del poder, la fragilidad de la vida y la búsqueda de la libertad son cuestiones que nos desafían directamente en el siglo XXI. Goya nos enseñó que el arte no es solo para decorar palacios, sino también para plantear preguntas incómodas, para sacudir conciencias y para reflejar a la sociedad.
Seguir sus pasos por España es, por tanto, mucho más que una lección de historia del arte. Es un viaje de autodescubrimiento. Es aprender a contemplar nuestro propio mundo con la misma agudeza, la misma pasión y valentía con la que él observó el suyo. Es entender que, en cada época, existen luces y sombras, y que el verdadero arte, el que perdura, es el que se atreve a mostrarnos ambas. El viaje termina, pero la mirada de Goya, lúcida e implacable, te acompaña para siempre.
