En el corazón palpitante de la Toscana, donde el río Arno serpentea como una vena de plata líquida, yace una ciudad que no es solo un lugar, sino un estado del alma. Florencia. Pronunciar su nombre es evocar el murmullo de cinceles sobre mármol, el aroma de pigmentos y aceite de linaza, el eco de debates filosóficos en jardines secretos. Esta es la cuna del Renacimiento, el escenario donde la humanidad redescubrió su propia imagen en el espejo del arte y la razón. Y en el centro de este torbellino de genio, un nombre resuena con una melodía de gracia melancólica y belleza sobrenatural: Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, conocido por la eternidad como Sandro Botticelli. Realizar un peregrinaje a su Florencia no es simplemente visitar museos o iglesias; es caminar sobre las mismas piedras que él pisó, respirar el aire que inspiró sus visiones y buscar el reflejo de su alma en los rostros de sus Madonnas y en la danza etérea de sus Gracias. Este viaje es una inmersión profunda en un mundo donde la mitología clásica, la fe cristiana y la filosofía neoplatónica se entrelazan en un tapiz de una belleza tan intensa que roza lo doloroso. Es seguir la estela de un artista que pintó la primavera del alma humana y, más tarde, el invierno de su contrición, dejando un legado que nos invita a contemplar el misterio de la belleza misma. Prepárense para descorrer el velo del tiempo y entrar en el santuario de un maestro, porque las calles de Florencia son las páginas de su biografía, y sus obras, las ventanas a su espíritu inmortal.
Este peregrinaje artístico, similar a un viaje al silencio del desierto y el alma de Agnes Martin, nos invita a buscar la esencia del espíritu creativo en los lugares que lo inspiraron.
La Culla del Rinascimento: La Florencia que Moldeó a Botticelli
Para comprender a Botticelli, primero debemos adentrarnos en su ciudad, una Florencia del Quattrocento vibrante y poderosa, una república orgullosa gobernada de facto por la astucia y el mecenazgo de la familia Médici. Imaginen una ciudad de torres y cúpulas, donde el Duomo de Brunelleschi, recién finalizado, se erguía como un prodigio de la ingeniería y un símbolo del ingenio humano. Las calles formaban un laberinto bullicioso, un escenario de vida en el que mercaderes de lana y seda cerraban tratos al lado de eruditos que discutían sobre Platón en el griego recién redescubierto. El aire estaba cargado de ambición, piedad y una sed insaciable de conocimiento y belleza. Era una atmósfera de feroz competencia entre gremios y artistas, donde cada comisión representaba una oportunidad para alcanzar la inmortalidad. En este crisol cultural, el joven Sandro creció, absorbiendo las corrientes intelectuales que moldearían su arte. La filosofía neoplatónica, impulsada por el círculo de Lorenzo de Médici, «el Magnífico», le enseñó a mirar más allá de la superficie, a buscar la idea divina, la belleza ideal, oculta en el mundo material. Esta Florencia no era solo un escenario; era un actor activo en la formación de su genio, un útero cultural que nutrió sus sueños y le proporcionó el lenguaje visual para expresarlos. Caminar hoy por el centro histórico, sintiendo el sol toscano en la Piazza della Signoria, es percibir el eco de esa energía creativa, un poder que transformó la piedra y el lienzo en testimonios eternos del espíritu humano.
El Bautismo de un Genio: El Barrio de Ognissanti
Nuestro peregrinaje comienza en el lugar donde todo tuvo su origen, en el modesto y laborioso barrio de Ognissanti, situado en la orilla occidental del Arno. Aquí, en la Via Nuova (hoy conocida como Via del Porcellana), nació Sandro en 1445. No era el centro opulento del poder, sino un distrito habitado por artesanos, curtidores y tejedores. El padre de Sandro, Mariano di Vanni, era curtidor, un hombre dedicado a un oficio. El joven artista creció entre los olores del cuero y los tintes, el sonido de los martillos y el murmullo constante del río. Este entorno humilde le forjó una conexión con el mundo tangible, con la artesanía, que siempre subyacería en sus visiones más etéreas. Es esencial recorrer estas calles hoy, alejándose un poco de las rutas turísticas principales, para sentir la Florencia más auténtica, una ciudad que trabaja y vive. Imaginen al pequeño Sandro corriendo por estas mismas calles, observando el mundo con una sensibilidad que ya lo distinguía de los demás.
La Chiesa di Ognissanti: El Hogar Espiritual y el Descanso Final
El ancla espiritual del barrio, y de la vida de Botticelli, es la Chiesa di Ognissanti. Esta iglesia franciscana, con su fachada barroca que oculta un interior renacentista, era la parroquia de su familia, los Filipepi, así como de sus vecinos y futuros mecenas, los Vespucci, la familia del famoso explorador Américo. Aquí, el joven Sandro asistía a misa, contemplando las obras de arte que adornaban las capillas y absorbiendo las narrativas sagradas que serían parte fundamental de su producción artística. Es dentro de estos muros donde se encuentra uno de sus primeros frescos importantes, un «San Agustín en su estudio» que dialoga directamente, a través de la nave, con el «San Jerónimo» de Ghirlandaio. La obra de Botticelli es un prodigio de introspección psicológica y detalle naturalista. El santo no es una figura distante, sino un erudito absorto, rodeado de los instrumentos de su saber. La luz que entra por la ventana parece real, tangible. Ver esta obra en su lugar original es una experiencia transformadora. No está en la atmósfera controlada de un museo, sino en el espacio sagrado para el que fue concebida. Y es aquí, bajo una simple losa en el suelo, donde Sandro Botticelli fue enterrado en 1510, regresando al punto de partida, a la iglesia de su infancia, cerrando el ciclo de una vida dedicada a la búsqueda de la belleza divina y humana.
Las Botteghe y las Calles del Aprendistato
Desde Ognissanti, podemos imaginar el camino cotidiano del joven aprendiz. Botticelli no se formó inicialmente como pintor. Su inquieta energía lo llevó primero al taller de un orfebre, donde aprendió la precisión, el arte del dibujo y el dominio de la línea, una habilidad que se convertiría en su firma inconfundible. Esa formación explica la calidad casi caligráfica, el contorno elegante y sinuoso que caracteriza sus figuras. Más tarde, ingresó en la bottega de uno de los maestros más renombrados de la época, Fra Filippo Lippi. El taller de Lippi, probablemente ubicado cerca de la actual Via de’ Servi, cerca del Duomo, era un hervidero de creatividad. Cierren los ojos e imaginen el ambiente: el aroma a pigmentos molidos a mano —lapislázuli para el azul, malaquita para el verde—, el calor de los braseros en invierno, el murmullo de los aprendices mezclando colores, preparando paneles de madera con yeso, y la voz del maestro corrigiendo un trazo. Fue allí donde Botticelli aprendió a infundir a sus figuras una dulzura lírica, una gracia melancólica y una humanidad palpable, características que tomó de Lippi y elevó a un nivel sublime. Recorrer hoy el Oltrarno, el barrio al otro lado del río, es la mejor manera de evocar ese espíritu. Aunque han desaparecido los talleres de los grandes maestros, el barrio aún rebosa pequeños talleres de artesanos —doradores, encuadernadores, restauradores— que mantienen viva la tradición de la artesanía florentina. Es un eco tangible del mundo que formó a Botticelli.
Bajo el Ala de los Médici: Los Palacios del Poder y la Belleza
El talento excepcional de Botticelli no pasó inadvertido. Pronto captó la atención de la familia más poderosa de Florencia, los Médici. Ser aceptado en su círculo no solo garantizaba seguridad económica, sino también acceso a un mundo de ideas revolucionarias. El patrocinio de Lorenzo el Magnífico fue el motor que convirtió a Botticelli, de un artesano talentoso, en un poeta visual de la filosofía neoplatónica.
Palazzo Medici Riccardi: El Núcleo del Poder
El centro de este mundo era el Palazzo Medici, en la Via Larga (hoy Via Cavour). Este palacio, diseñado por Michelozzo, no era una fortaleza ostentosa, sino una declaración de poder basada en la sobriedad y la cultura. Es un edificio que transmite autoridad, no arrogancia. Al cruzar su umbral, uno ingresa en el santuario de los Médici. Imaginen a Botticelli paseando por su patio porticado, subiendo las escaleras hacia las estancias privadas de Lorenzo, donde se reunía la Academia Platónica. Allí, filósofos como Marsilio Ficino y poetas como Angelo Poliziano debatían sobre el amor, la belleza y el alma, interpretando los mitos clásicos desde una perspectiva cristiana. Botticelli escuchaba, absorbía y transformaba estas ideas complejas en imágenes de una claridad y belleza impresionantes. En la Capilla de los Magos, dentro del palacio, se encuentra el fresco de Benozzo Gozzoli que retrata a la familia Médici como los Reyes Magos. Aunque no es obra de Botticelli, es fundamental para comprender el ambiente. En 1475, Botticelli pintaría su propia «Adoración de los Magos» (actualmente en los Uffizi), donde incluyó los retratos de Cosimo, Piero y Lorenzo de Médici, así como un autorretrato. Era su manera de rendir homenaje a sus mecenas e inscribirse a sí mismo en el corazón de la historia florentina.
Las Villas Mediceas: Donde la Mitología Cobra Vida
Sin embargo, las ideas más audaces y las obras más célebres de Botticelli no surgieron en el bullicio del centro urbano, sino en la serenidad de las villas mediceas en las colinas alrededor de Florencia. Lugares como la Villa de Castello o la Villa La Petraia eran refugios para el ocio intelectual y la contemplación. Sus jardines, diseñados con precisión geométrica y decorados con esculturas clásicas, eran escenarios al aire libre para la filosofía y la poesía. Se cree que Botticelli pintó para decorar una de estas villas, probablemente la de Castello, sus dos obras mitológicas más famosas: «La Primavera» y «El Nacimiento de Venus». Visitar estos jardines hoy, especialmente en primavera, es una experiencia reveladora. El aroma de los naranjos en flor, el murmullo de las fuentes, la vista panorámica de Florencia bajo la luz dorada… todo parece extraído directamente de sus cuadros. Uno puede casi imaginar a las Tres Gracias danzando en un claro del bosque, o a Flora esparciendo rosas sobre la hierba. Estas villas no eran solo residencias; representaban un ideal, un intento de recrear la Arcadia mítica en la Toscana, un lugar donde naturaleza y arte, lo humano y lo divino, coexistían en perfecta armonía. En este contexto, las complejas alegorías de Botticelli cobran pleno sentido, revelándose no como simples ilustraciones de mitos, sino como meditaciones visuales sobre el amor, la belleza y el ciclo de la vida. Para el viajero, una excursión a estas colinas es imprescindible. Alquilar una bicicleta o tomar un autobús local para escapar del calor citadino y descubrir estos oasis de paz es conectar directamente con la inspiración más profunda de Botticelli.
La Galería de los Uffizi: Un Santuario de su Arte
Todo viaje al mundo de Botticelli conduce, inevitablemente, a la Galería de los Uffizi. Este extenso complejo, originalmente construido por Vasari para alojar las oficinas administrativas (uffizi) de los Médici, es hoy uno de los museos más importantes del mundo. Contiene la colección más completa y deslumbrante de la obra de Botticelli, un tesoro que la última de los Médici, Anna Maria Luisa, legó a la ciudad de Florencia bajo la condición de que nunca la abandonara. Entrar en los Uffizi es entrar en la mente del Renacimiento.
La Sala de Botticelli: Un Encuentro Devocional
Tras recorrer pasillos repletos de obras maestras de Giotto, Masaccio y Piero della Francesca, se llega a las salas 10-14, el núcleo vibrante del museo: la Sala de Botticelli. Cruzar su umbral es una experiencia casi religiosa. El espacio es amplio y luminoso, pero la atención queda de inmediato cautivada por los dos inmensos paneles que dominan la sala. El murmullo de la multitud parece esfumarse. El tiempo se detiene. Uno se encuentra cara a cara con la belleza en su forma más pura y enigmática. Es recomendable visitar los Uffizi a primera hora de la mañana o al atardecer para evitar las mayores aglomeraciones. Busque un banco, si tiene suerte de encontrar uno, o simplemente permanezca de pie en un rincón y dedique tiempo a la contemplación. No se apresure. Permita que las obras le hablen.
«La Primavera»: Un Enigma Floral
Ante nosotros, «La Primavera». No es solo una pintura; es un poema, una sinfonía, un tratado filosófico. La obra nos envuelve en una atmósfera de ensueño, un jardín mítico donde cada detalle tiene un significado. La mirada se desplaza de derecha a izquierda, siguiendo la narrativa. Céfiro, el viento, persigue a la ninfa Cloris, que se transforma en Flora, la diosa de la primavera, que esparce flores. En el centro, Venus, serena y vestida, preside la escena, no como la diosa del amor carnal, sino del amor humanista, el que eleva el alma. Sobre ella, un Cupido con los ojos vendados apunta su flecha. A la izquierda, las Tres Gracias danzan en un círculo de belleza perfecta, con sus dedos entrelazados y sus velos transparentes moviéndose al ritmo de una música silenciosa. Finalmente, Mercurio, con su caduceo, disipa las nubes, garantizando la eterna primavera en este jardín de las Hespérides. El suelo está cubierto por un tapiz de cientos de especies de plantas y flores, pintadas con una precisión botánica asombrosa. Botticelli no se limita a pintar un mito; está visualizando la filosofía de Ficino, el reino de Venus, donde el amor transforma el impulso terrenal en belleza espiritual. La melancolía que impregna los rostros de las figuras, esa dulzura triste, es la firma de Botticelli, un recordatorio de que la belleza perfecta es efímera y pertenece a otro mundo, un mundo ideal al que solo podemos aspirar.
«El Nacimiento de Venus»: El Icono de la Belleza Pura
Junto a ella, su hermana espiritual, «El Nacimiento de Venus». Si «La Primavera» es compleja y terrenal, «Venus» es de una simplicidad y pureza celestiales. Es una de las imágenes más icónicas de la historia del arte occidental, y sin embargo, verla en persona sigue siendo una revelación. La diosa, pálida y perfecta, emerge del mar sobre una concha, impulsada por los vientos Céfiro y Aura. Su postura, la Venus púdica, se inspira en la estatuaria clásica, pero Botticelli le infunde una vida y una vulnerabilidad completamente nuevas. Su cabello dorado flota en el aire, entrelazado con la brisa. A la derecha, una de las Horas, quizás la Primavera, la espera en la orilla para cubrir su desnudez divina con un manto floreado. La composición es de una armonía asombrosa. La línea, el contorno, es el verdadero protagonista. Define las formas con una elegancia casi musical. El mar no es realista; es un patrón decorativo. El paisaje es estilizado. Todo está al servicio de una idea: el nacimiento de la Belleza en el mundo, un concepto neoplatónico que equipara la belleza física con la belleza divina. Esta Venus no es una mujer; es un ideal, la encarnación de la Humanitas, la belleza que enciende el amor en el alma y la eleva hacia Dios. Pararse frente a esta obra es comprender el poder del arte para trascender lo material y tocar lo eterno.
Retratos y Madonas: El Alma Humana y Divina
Más allá de estas dos obras monumentales, la sala y las adyacentes revelan la increíble versatilidad de Botticelli. Sus Madonnas, como la «Virgen del Magnificat» o la «Virgen de la Granada», son obras de una ternura y complejidad exquisitas. Los rostros de María y el Niño Jesús están impregnados de la misma melancolía reflexiva que sus figuras mitológicas, como si presintieran el sufrimiento futuro. Son obras de devoción que también son profundamente humanas. Los retratos, como el «Retrato de un joven con una medalla de Cosimo el Viejo», muestran su habilidad para capturar la psicología de sus modelos y revelar el mundo interior tras la mirada. Y, por supuesto, la ya mencionada «Adoración de los Magos», que es tanto una escena sagrada como un manifiesto político y un documento histórico de la Florencia de los Médici. Explorar estas obras es descubrir las múltiples facetas de un artista que se movía con igual maestría entre lo sagrado y lo profano, lo público y lo íntimo.
El Llamado de Roma: La Capilla Sixtina
El talento de Botticelli fue tan notable que su fama trascendió las fronteras de la Toscana. En 1481, fue llamado a Roma por el Papa Sixto IV, junto con otros grandes maestros florentinos como Perugino y Ghirlandaio, para un encargo monumental y de prestigio: decorar las paredes de la nueva capilla papal, que hoy conocemos como la Capilla Sixtina.
Un Maestro Florentino en el Corazón del Vaticano
Imaginen el viaje: dejar la Florencia natal para adentrarse en la majestuosidad y las intrigas de la Roma papal. Para Botticelli, fue un reconocimiento a su estatus como uno de los mejores pintores de Italia. La tarea era gigantesca: crear un ciclo de frescos que narraran paralelamente las vidas de Moisés y Cristo, estableciendo un vínculo entre la Antigua y la Nueva Ley y, por ende, legitimando la autoridad del Papa como sucesor de San Pedro. Hoy, cuando visitamos la Capilla Sixtina, nuestra mirada se dirige inevitablemente hacia arriba, al techo de Miguel Ángel y al Juicio Final. Sin embargo, es un error no dedicar tiempo a contemplar los frescos de las paredes laterales, la decoración original del siglo XV. Son obras maestras que a menudo pasan desapercibidas.
Las Pruebas de Moisés y la Castigación de los Rebeldes
Botticelli fue responsable de tres de estas escenas, destacándose especialmente «Las pruebas de Moisés» y «La castigo de los rebeldes». En ellas, demuestra una habilidad narrativa extraordinaria, componiendo múltiples episodios de una historia dentro de un único marco pictórico. En «Las pruebas de Moisés», vemos al profeta en siete momentos diferentes de su juventud, desde matar al egipcio hasta ayudar a las hijas de Jetró. La composición es compleja pero clara, guiada por la figura central de Moisés. En «La castigo de los rebeldes», el tema es la defensa de la autoridad papal. El fresco representa la historia bíblica de Coré, Datán y Abiram, quienes se rebelaron contra la autoridad de Moisés y Aarón y fueron tragados por la tierra. La alusión a las amenazas contemporáneas al poder del Papa era evidente. Estilísticamente, estas obras se diferencian de sus pinturas florentinas: son más robustas, más dramáticas, con mayor atención a la arquitectura y a la organización de grandes grupos de figuras. No obstante, la elegancia de la línea y la belleza de ciertos rostros, especialmente los femeninos, son inconfundiblemente suyas. Ver estas obras en el Vaticano es comprender la dimensión nacional de su fama y su capacidad para adaptar su estilo a las exigencias de un encargo tan solemne y político.
Los Últimos Años: Fe, Crisis y la Sombra de Savonarola
Botticelli regresó a Florencia como un héroe, en la cúspide de su carrera. Sin embargo, el ambiente de la ciudad que tanto amaba estaba a punto de cambiar drásticamente, y con él, el espíritu del propio artista. La muerte de su protector, Lorenzo el Magnífico, en 1492, dejó un vacío de poder y un clima de incertidumbre que fue aprovechado por una figura carismática y temible: el fraile dominico Girolamo Savonarola.
El «Falò delle Vanità» y el Ponte Vecchio
Savonarola predicaba el apocalipsis. Denunciaba la corrupción de la Iglesia, el lujo de los ricos y el paganismo presente en el arte y la cultura humanista que los Médici habían impulsado. Florencia, considerada la nueva Atenas, debía transformarse en la nueva Jerusalén. Su influencia fue tan poderosa que los Médici fueron expulsados y se estableció una república teocrática. El punto culminante de este fervor religioso llegó en 1497 con el «Falò delle Vanità» (la Hoguera de las Vanidades). En la Piazza della Signoria, se levantó una enorme pira donde los ciudadanos, movidos por el fervor o el miedo, arrojaron sus objetos de lujo: espejos, cosméticos, vestidos elegantes, libros considerados inmorales y obras de arte. Imaginen la atmósfera: una ciudad en trance, el olor a humo, los cánticos religiosos resonando entre los palacios. La tradición, narrada por Vasari, cuenta que el propio Botticelli, profundamente afectado por los sermones de Savonarola, lanzó algunas de sus propias pinturas de temática mitológica al fuego. No sabemos si esto es cierto, pero el episodio simboliza la profunda crisis espiritual que atravesó el artista y la ciudad entera. Caminar hoy desde la Piazza della Signoria hacia el Ponte Vecchio, imaginando esa procesión de penitentes, es sentir el escalofrío de un momento en que la belleza misma fue vista como un pecado.
Las Obras Tardías: Un Cambio Espiritual Radical
El impacto de Savonarola en el arte de Botticelli es innegable. Sus obras tardías renuncian a la armonía serena y a la belleza idealizada de su etapa medicea. El estilo se torna más duro, más arcaico, casi gótico. Las figuras aparecen más delgadas, más inquietas, y las composiciones se cargan de una intensidad emocional y una simbología religiosa compleja y a veces oscura. Obras como «La Calumnia de Apeles» son alegorías amargas sobre la injusticia, mientras que su «Natividad Mística», la única obra que firmó y fechó, es una visión profética y profundamente personal. En la parte superior de esta pintura, una inscripción en griego anuncia tiempos de tribulación, vinculando los acontecimientos de Florencia con las profecías del Apocalipsis. Los colores se oscurecen, las formas se vuelven más angulosas. La belleza ya no es serena, sino extática y doliente. Es el arte de un hombre que ha mirado al abismo, que ha renunciado a las vanidades mundanas en busca de una verdad espiritual más profunda y austera. Estas obras, muchas de las cuales se exhiben también en los Uffizi y otras galerías europeas, son el testimonio de un alma en crisis, un epílogo fascinante y conmovedor a una carrera que había comenzado bajo los auspicios del humanismo más optimista.
Consejos Prácticos para el Peregrino de Arte
Emprender un viaje siguiendo los pasos de Botticelli es una experiencia enriquecedora, pero requiere algo de planificación para aprovecharla al máximo. Florencia es una ciudad compacta, y la mejor forma de recorrerla es a pie. Perderse por sus calles es la mejor manera de descubrir rincones inesperados y captar el pulso de la historia.
Moverse por Florencia Siguiendo las Huellas de Botticelli
El punto de partida ideal es el barrio de Ognissanti. Desde ahí, se puede caminar con facilidad hacia el centro. Para visitar los Uffizi, es imprescindible reservar las entradas con semanas o incluso meses de anticipación, sobre todo en temporada alta. La web oficial es la mejor opción para evitar sobreprecios. Considere adquirir la Firenze Card si planea visitar muchos museos, aunque conviene calcular si le resulta rentable. Para evitar las multitudes, intente visitar los lugares más concurridos a primera hora de la mañana o al final de la tarde. Un paseo al amanecer por el Ponte Vecchio, antes de que abran las tiendas, o una caminata al atardecer hasta la Piazzale Michelangelo para contemplar la ciudad teñirse de rojo, son experiencias inolvidables que conectan con la Florencia eterna.
Más Allá de los Museos: Disfrutar la Atmósfera Renacentista
El recorrido no debe limitarse solo a los museos. Para sentir de verdad la Florencia de Botticelli, hay que vivir la ciudad. Cruce al Oltrarno, el barrio «al otro lado del Arno», y explore sus callejuelas llenas de talleres de artesanos. Entre en una «trattoria» familiar y pruebe la cocina toscana: una pappa al pomodoro, un plato de ribollita o un bistec a la fiorentina. Estos sabores forman parte del patrimonio tanto como las pinturas. Visite el Mercato Centrale para sumergirse en los colores y aromas de los productos locales. Siéntese en una plaza, como la Piazza Santo Spirito, con un café o una copa de Chianti, y simplemente observe la vida pasar. La belleza de Florencia no está solo encerrada en los museos; está en la luz, en la piedra, en la elegancia natural de su gente. Es en esos momentos de pausa y contemplación donde el espíritu de Botticelli y su incansable búsqueda de la belleza se sienten más presentes.
El Legado Eterno de Sandro: Un Viaje Más Allá del Tiempo
Sandro Botticelli murió en 1510, casi en el olvido. Los nuevos gigantes del Alto Renacimiento —Leonardo, Miguel Ángel, Rafael— habían transformado el rumbo del arte, y su estilo lineal y melancólico quedó fuera de moda. Fue necesario esperar hasta el siglo XIX, con los prerrafaelitas ingleses, para que su genio fuera redescubierto y reconocido en el panteón que le correspondía. Hoy, su nombre es sinónimo de la gracia y la belleza del Renacimiento florentino. Seguir sus pasos por Florencia es más que una lección de historia del arte; es un diálogo con un espíritu que supo capturar como nadie la tensión entre cuerpo y alma, entre el amor pagano y la fe cristiana, entre la alegría de vivir y la conciencia de la fugacidad. Es descubrir que sus Venus y Madonnas no son solo figuras en un lienzo, sino espejos donde se reflejan nuestras propias preguntas sobre la belleza, el amor y el sentido de la existencia. Al final de este peregrinaje, cuando uno se aleja del Duomo y las torres de la ciudad se pierden en la distancia, se lleva algo más que recuerdos de obras maestras. Se lleva la certeza de que la belleza, en su forma más pura, es un puente entre nuestro mundo y algo mayor, un eco de la armonía divina que un pintor florentino, hace más de quinientos años, tuvo el genio de hacer visible para toda la eternidad.
